Fugue (L'Offrande musicale) de Jean-Sébastien Bach, une des formes les plus élaborées du contrepoint.

En musique, le contrepoint (sous-entendu rigoureux) est une forme d'écriture musicale, qui trouve ses origines avec la polyphonie, née au Moyen Âge, et qui consiste en la superposition organisée de lignes mélodiques distinctes.

Le contrepoint est particulièrement utilisé pendant la Renaissance jusqu'à l'époque baroque. C'est avec Palestrina, William Byrd ou encore Georg Friedrich Haendel, mais surtout avec Jean-Sébastien Bach, que l'art du contrepoint connaît ses heures de gloire.

Histoire du contrepoint

Le mot contrepoint vient du latin punctus contra punctum a morticulum, littéralement point contre point c’est-à-dire note contre note.

Le contrepoint est plus ancien que l'harmonie tonale. Initialement modal, il est le fondement de la polyphonie qui a eu cours en Occident jusqu'au début de la période baroque^[1]. C'est durant cette dernière que l'harmonie acquiert une importance grandissante avec le développement de la tonalité. On considère généralement la musique de Bach comme la référence de l'équilibre de ces deux aspects de l'écriture musicale.

Gerard van Honthorst, 1623, Le concert.

Par la suite, le contrepoint perd de son importance dans les compositions, mais conserve un grand intérêt pédagogique et demeure donc enseigné dans les écoles et conservatoires, tout en poursuivant son évolution. Ainsi, Pierre Boulez explique^{[notes 1]} :

« J'ai travaillé le contrepoint en même temps que l'harmonie… deux disciplines qui doivent rester étroitement liées, car harmonie et contrepoint ne sont que les deux aspects fondamentaux de toute écriture polyphonique… Ce qu'il faudrait, c'est enseigner aux élèves toutes les disciplines de la polyphonie. »

— Michel Baron, Cours de contrepoint rigoureux - § L'esprit du contrepoint^[2].

Certains compositeurs voient néanmoins un avenir dans le contrepoint. Paul Dukas, par exemple, a dit à son sujet :

« Où allons-nous ? Tout a été fait. Depuis ces vingt dernières années, il semble que les limites extrêmes aient été atteintes. On ne peut être plus ingénieux, plus raffiné que Ravel, plus audacieux que Stravinsky. Quelle sera la nouvelle formule d'art ? Il faudra retourner aux sources mêmes, à la simplicité, pour trouver quelque chose de véritablement neuf. Le contrepoint ? Là, sans doute, se trouve l'avenir^[3]. »

Contrepoint et harmonie

Contrepoint et harmonie sont intimement liés. Entre les deux existe « une différence de point de vue plutôt que d'essence » : point de vue vertical pour l'harmonie ; horizontal pour le contrepoint^[4].

• L'approche harmonique est fondée sur les enchaînements d'accords lesquels donnent lieu à des lignes mélodiques. Chaque note est écrite pour son harmonie par rapport aux autres lues verticalement, entre lignes mélodiques.
• L'approche contrapuntique, elle, considère la qualité des lignes mélodiques. Les accords sont un phénomène secondaire perçu à des moments rythmiques précis. Chaque note est écrite par rapport aux autres lues horizontalement, au sein de la ligne mélodique, en vue de la qualité de la mélodie.

Les lignes mélodiques se doivent d'être les plus conjointes possible, et doivent respecter certaines règles de mouvement.

Des règles harmoniques existent, et sont destinées à cadrer les réalisations. On y évite notamment certains intervalles dissonants, et certains états de l'accord qui seraient en contradiction avec les fondamentaux de cette discipline. Par exemple, le second renversement est interdit, car il a des fonctions bien précises — passage, broderie et cadences — et qui n'auraient pas de sens en contrepoint. Ces règles harmoniques sont donc plus restrictives que celles en vigueur en harmonie tonale. Tout comme en harmonie, des dissonances passagères sont admises et sont également régies par des règles. Elles ajoutent un intérêt musical à l'œuvre.

L'esprit du contrepoint est réputé aussi important que sa technique, ce qui rend sa pédagogie difficile  :

« Il n'est vraiment pas facile de rédiger un traité, ou même un cours de contrepoint. Même le grand Dupré s'est laissé aller à énoncer la puissante recommandation suivante dans son Cours de Contrepoint (page 9) : « Pour obtenir le mouvement conjoint absolu (c'est-à-dire la gamme) l'élève doit s'efforcer d'éviter tout mouvement disjoint ». »

— Michel Baron, Cours de contrepoint rigoureux^[2]

Le contrepoint imitatif

Le contrepoint mené dans les règles de l'art n'implique nullement l'identité ou la parenté des thèmes dont les mélodies se superposent. Il suffit que soient respectées des règles concernant les consonances et les dissonances, la modulation, les fausses relations, etc.

C'était d'ailleurs la marque des plus grands maîtres que de savoir produire de telles combinaisons de thèmes distincts, et Bach, Haendel, n'y ont pas manqué. Cependant, le plus souvent, l'imitation était un procédé très utilisé.

Étant donné un thème musical (mélodique), les imitations qui en étaient tirées pouvaient faire appel aux procédés suivants :

• augmentation de la durée des notes ;
• diminution de la durée des notes ;
• thème inversé (mouvement contraire) — les intervalles montants sont remplacés par des intervalles descendants ;
• mouvement rétrograde — comme en lisant la partition en partant de la fin ;
• ainsi que toutes leurs combinaisons possibles, qui peuvent rendre un thème méconnaissable.

Ces différents procédés sont illustrés de la façon la plus magistrale (et systématique) qui soit dans trois œuvres de Jean-Sébastien Bach :

• les Variations Goldberg ;
• L'Offrande musicale ;
• L'Art de la fugue.

La fugue

La fugue est la forme musicale la plus achevée de ces techniques d'écriture. Elle utilise toutes les techniques contrapuntiques et harmoniques. Le canon en est la forme la plus simple et la plus rigoureuse ; d'autres formes, plutôt anciennes, en relèvent également : ricercare, tiento… L'écriture fuguée (le fugato) se manifeste aussi dans beaucoup des formes musicales pratiquées alors — suite de danses, sonate et autres.

Traités notoires

Il n'y a pas de vérité absolue en matière de contrepoint. L'esprit et les fondamentaux demeurent les mêmes mais certaines règles définissant les débuts et fin de réalisations, les accords incomplets, les licences… varient légèrement d'un traité à un autre.

Ainsi, dans son Cours de contrepoint, Michel Baron précise, après en avoir énoncé les règles :

« Certains traités sont beaucoup plus tolérants. Ainsi, Koechlin les accepte [les quintes directes arrivant sur les degrés II, III et VI, et les octaves directes descendantes sur n'importe quel degré] entre les extrêmes si la partie supérieure est conjointe, et ailleurs, si l'une des deux parties est conjointe (Précis des règles du contrepoint, page 3) comme on le propose souvent aujourd'hui dans les études d'harmonie. Les Tableaux synoptiques des règles de contrepoint d'Alain Weber détaillent les autres variantes possibles de ces règles. D'un point de vue purement pratique, la nécessité de rigueur tout au long de l'étude du contrepoint invite à recommander d'adopter immédiatement les principes en vigueur dans le conservatoire ou l'établissement où on souhaiterait poursuivre des études avancées. »

— Michel Baron, Cours de contrepoint rigoureux - § Règles communes^[2]

Notes et références

Voir aussi