Genèse et développement

En 1985, Roger Avary, alors colocataire de Quentin Tarantino, écrit un script d'environ 80 pages appelé The Open Road qui traite de l'histoire d'un vendeur de comics, Clarence Worley, qui écrit un scénario sur un couple de tueurs en série, Mickey et Mallory, et dont la vie commence à se mélanger avec l'histoire qu'il écrit. Avary est ensuite pris par un autre projet, une adaptation du Surfer d'argent qui ne se concrétisera jamais. Quentin Tarantino lui demande s'il peut retravailler son scénario^[8]. Pendant un an, il le réécrit totalement pour en faire la base de l'histoire de True Romance, tout en y intégrant des scènes qui se retrouveront plus tard dans Reservoir Dogs, Pulp Fiction et Tueurs nés. L'histoire est très longue, environ 500 pages, et très complexe. Quentin Tarantino en extirpe alors la trame principale, l'histoire de Clarence et d'Alabama, en 1987. Avec Avary, ils essaient sans succès pendant trois ans de produire le film eux-mêmes, puis de vendre le scénario^[8]. Finalement, le producteur français Samuel Hadida, qui est aux États-Unis pour un projet de remake et qui cherche un scénariste, rencontre Quentin Tarantino par l’intermédiaire de Sheldon Lettich^[9]. En 1990, Tarantino lui cède les droits du script pour la somme de 40 000 $^[10].

Le film doit à l'origine être produit avec un très petit budget et William Lustig (Maniac Cop) est le premier réalisateur choisi pour faire le film^[9]. Entretemps, Tony Scott fait la connaissance de Tarantino sur le tournage du Dernier Samaritain (1991) et lit le script de Reservoir Dogs après avoir terminé ce film. Il est tellement conquis par l'histoire qu'il demande à Tarantino s'il peut la mettre en scène mais Tarantino souhaite se réserver la réalisation de Reservoir Dogs. Tarantino lui fait donc lire le scénario de True Romance, que Scott aime également beaucoup^[11]. Scott insiste alors auprès d'Hadida pour être le réalisateur de True Romance. Le producteur Harvey Weinstein, qui a accepté de financer le film à hauteur de 50 % en échange des droits de distribution aux États-Unis, ne veut pas de Lustig mais n'est pas non plus emballé par Tony Scott, qu'il juge incontrôlable. Hadida reprend alors la production à son compte et lui et Scott, désormais liés par leur vision commune du projet, se mettent à chercher des acteurs prestigieux pour jouer dans le film, via les contacts de Scott, afin de pouvoir le vendre dans le monde entier^[9].

Tony Scott reprend le scénario de Tarantino sans y apporter de réels changements sauf pour la fin car, dans le script de Tarantino, Clarence devait y mourir. Mais Scott s'est tellement attaché au couple formé par Clarence et Alabama qu'il souhaite les voir survivre et réussit à imposer sa vision à Quentin Tarantino, malgré son opposition initiale, en le persuadant que cela n'a rien à voir avec des raisons commerciales^[11]. Mais Quentin Tarantino, alors en pleine promotion de Reservoir Dogs, n'a pas le temps d'écrire une autre fin et c'est Roger Avary qui se charge de ce travail^[9]. Après avoir vu le film, Quentin Tarantino reconnaît que la fin tournée par Scott cadre mieux avec sa vision du film en forme de conte de fées dont la violence n'éclipse pas le romantisme^[2]. La structure du film, dans l'ordre chronologique, est également différente de celle du scénario, dans lequel l'histoire de Clarence et Alabama, de leur rencontre jusqu'à l'épisode de la valise de cocaïne, devait intervenir en tant que long flashback juste après la scène entre Dennis Hopper et Christopher Walken^[11].

Distribution des rôles

Christian Slater est le premier engagé pour tenir le rôle principal de Clarence. Val Kilmer, qui a déjà collaboré avec Tony Scott dans Top Gun (1986) et qui convoitait également le rôle de Clarence, obtient finalement celui du mentor (Elvis Presley). L'acteur, bien que n'ayant qu'une journée de tournage, se prépare intensément en visionnant tous les films et en écoutant tous les albums d'Elvis, que Scott lui a envoyés^[4]. Pour le principal rôle féminin, Tony Scott pense d'abord à Drew Barrymore mais celle-ci n'est pas disponible^[2]. Patricia Arquette est alors engagée par Tony Scott, qui a été impressionné par sa performance, emplie d'innocence enfantine, dans le téléfilm Wildflower, et l'actrice passe trois semaines à observer et à discuter avec des prostituées pour s'imprégner de son rôle^[4]. Avant que les acteurs principaux du film soient engagés, Quentin Tarantino avait pensé à Robert Carradine et Joan Cusack pour les rôles de Clarence et Alabama. Juliette Lewis est elle aussi sollicitée pour le rôle d'Alabama mais décline l'offre pour tourner Tueurs nés d'après un autre scénario de Quentin Tarantino.

D'autres acteurs célèbres, séduits par le scénario et acceptant de jouer dans le film pour des cachets réduits, sont engagés pour des rôles secondaires. La production persuade ainsi Christopher Walken et Dennis Hopper en disant à chacun des deux que l'autre a déjà accepté^[9]. Robert Forster devait initialement interpréter le rôle tenu par Walken^[12]. Gary Oldman commence le tournage du film un jour après avoir terminé celui de Romeo Is Bleeding et trouve le look du personnage de Drexl (dreadlocks, dents en argent et cicatrices sur le visage) d'après celui d'un preneur de son jamaïcain blanc, qui travaillait avec lui sur ce film. Brad Pitt fait également beaucoup pour donner plus d'épaisseur à son personnage, à peine esquissé dans le scénario, improvisant plusieurs répliques et trouvant des accessoires (comme son bonnet rasta)^[4]. Il avait d'abord été contacté pour jouer le rôle principal mais il était trop occupé par la fin du tournage de Kalifornia (1993) et ne voulait pas enchaîner avec un rôle qui lui semble similaire^[9]. Jack Black fait un caméo dans une des scènes coupées du film où il tient un rôle d'huissier de théâtre. Tom Sizemore devait interpréter Virgil mais ce rôle est repris par James Gandolfini. Néanmoins, il tient le rôle de l'inspecteur Cody Nicholson.

Tournage

Le Vista Theater, situé sur Sunset Drive dans le quartier d'East Hollywood, où a été tourné la scène de la rencontre entre Clarence et Alabama.

Le tournage du film a eu lieu du 21 janvier 1993 au 31 mars 1993 pendant 70 jours, avec une semaine de tournage en janvier à Détroit pour les extérieurs, tout le reste du tournage se déroulant à Los Angeles. Le directeur de la photographie Jeffrey L. Kimball a déjà collaboré avec Tony Scott pour Top Gun (1986), Le Flic de Beverly Hills 2 (1987) et Vengeance (1990)^[13]. Lors du premier jour de tournage, qui est également celui de la première scène du film, Tony Scott s'aperçoit que Christian Slater joue trop sur le côté positif et léger de son personnage et Scott lui demande de visionner Taxi Driver afin qu'il s'inspire du personnage joué par Robert De Niro pour accentuer le côté sombre de Clarence Worley^[4]. Patricia Arquette peine à trouver la bonne émotion dans deux scènes importantes du film et le réalisateur la gifle alors assez violemment pour l'aider à se mettre en condition, la première fois en la prenant par surprise et la deuxième fois à la demande de l'actrice. James Gandolfini, dont c'est le premier rôle assez important, est lui aussi totalement impliqué dans son rôle et, lors de la scène où il se bat avec l'actrice, demande même à Patricia Arquette de réellement lui planter un tire-bouchon dans le pied afin qu'il ressente vraiment la douleur. Mais l'actrice refuse et c'est finalement un assistant de production qui plante un compas dans le pied de James Gandolfini devant l'insistance de l'acteur^[4].

Le Rae's Restaurant, à Santa Monica, où Clarence et Alabama se rendent après le cinéma.

Les intérieurs de la scène de fusillade finale sont tournées sur Wilshire Boulevard au véritable Hôtel Ambassador de Los Angeles, où a été assassiné Robert Kennedy en 1968 et qui a été fermé au public en 1989, avant d'être démoli en 2005. La scène qui se déroule sur les montagnes russes était à l'origine prévue pour se dérouler au zoo de Los Angeles, autour d'une cage à gorille, mais cela n'a pas été possible en raison des restrictions concernant les tournages avec des animaux^[4]. La scène est donc tournée au parc d'attractions Six Flags Magic Mountain, sur les montagnes russes Viper. Cette scène est difficile à tourner car Bronson Pinchot et surtout Michael Rapaport détestent les montagnes russes. Rapaport est même sédaté pour le deuxième jour de tournage de la scène^[2]. Le cinéma où se rencontrent Clarence et Alabama est le Vista Theater, cinéma historique d'East Hollywood, alors que le diner où ils vont manger un gâteau ensuite est situé à Santa Monica. Le motel où le couple séjourne à Los Angeles est le Safari Inn de Burbank^[14].

Les montagnes russes Viper du parc d'attractions Six Flags Magic Mountain, où Clarence donne rendez-vous à Elliot Blitzer.

Le Safari Inn de Burbank, où Clarence et Alabama prennent une chambre quand ils arrivent à Los Angeles.

La fameuse scène entre Dennis Hopper et Christopher Walken, également connue sous le nom de « scène des Siciliens », est tournée en deux jours (le premier pour filmer les plans de Dennis Hopper et le second pour ceux de Christopher Walken) et c'est l'une des scènes dont Tarantino est le plus fier d'être l'auteur. Elle trouve son origine dans une histoire (à propos de la conquête de la Sicile par les Maures au Moyen Âge) que lui avait raconté le frère de la meilleure amie de sa mère alors qu'il avait onze ans, et Quentin Tarantino dit à son sujet qu'elle devrait être montrée dans toutes les écoles d'acteurs comme une leçon d'interprétation tellement il trouve parfait le jeu des deux acteurs^[11]. Ces derniers ont respecté leur texte à la lettre, ajoutant seulement une petite improvisation à la fin de la scène quand Hopper dit à Walken qu'il est « café au lait » (eggplant en VO) et que Walken répond en disant que Hopper est « chocolat » (cantaloupe en VO)^[2].

Afin de pouvoir obtenir aux États-Unis la classification R (interdit aux moins de 18 ans non accompagnés) refusée une première fois par la Motion Picture Association of America, qui a classifié le film NC-17 (interdit aux moins de 18 ans et qui interdit également toute promotion télévisée pour le film), le film doit subir quelques coupures. Ainsi, la scène du combat sauvage qui oppose Alabama à Virgil est amputée de sa conclusion, jugée trop bestiale par la MPAA, où Alabama vide le chargeur du fusil à pompe sur Virgil avant de s'acharner sur son cadavre à coups de crosse. De même, les plans les plus sanglants de la fusillade finale sont supprimés, et l'inspecteur Dimes est tué par l'un des mafiosi et non par Alabama. Ces scènes censurées pour la sortie en salles aux États-Unis sont néanmoins rétablies pour la version internationale^[15].

Accueil critique

Le film a été bien accueilli par la critique, recueillant 92 % de critiques positives, avec une note moyenne de ^7,5⁄₁₀ et sur la base de 48 critiques collectées, sur le site internet Rotten Tomatoes^[17]. Sur le site Metacritic, il obtient un score de ⁵⁷⁄₁₀₀, sur la base de 18 critiques collectées^[18]. Le site AlloCiné, sur la base de 5 critiques collectés, lui attribue une note de ^2,4⁄₅^[19].

Parmi les critiques positives, Roger Ebert, du Chicago Sun-Times, donne au film 3 étoiles sur 4, estimant qu'il « crée son propre univers et s'en glorifie », que son « énergie et son style sont vivifiants » et que « les seconds rôles sont magnifiques, notamment Christopher Walken, Dennis Hopper et Brad Pitt »^[20]. Janet Maslin, du New York Times, évoque un « road-movie joyeusement amoral, dynamique et macabre » aux « dialogues hauts en couleur »^[21]. Pour Peter Travers, de Rolling Stone, « ce film est de la dynamite » où tous les acteurs « brillent », notamment Christian Slater et Patricia Arquette qui forment un couple « sauvagement comique et sexy de romantiques meurtris ». Il ajoute que l'on parlera pendant des années de la « confrontation fulgurante » entre Dennis Hopper et Christopher Walken, « tous deux au sommet de leur art »^[22]. Rob Fraser, du magazine Empire, donne au film 4 étoiles sur 5, mettant en avant « les personnages très vivants », des « dialogues étincelants », des « scènes sensationnelles » et « l'énergie implacable » donnée au film par Tony Scott. Il regrette seulement que l'histoire « soit dépourvue de conséquences émotionnelles ou morales »^[23]. Pour la rédaction de L'Express, ce « film au casting dans le vent » bénéficie du « scénario énervé et échevelé de Tarantino qui bouscule le style hollywoodien » de Tony Scott, « enlève le morceau et aligne deux ou trois scènes anthologiques, dont la confrontation Hopper-Walken »^[24]. Fabienne Bradfer, du Soir, évoque un « mélange détonnant soutenu par une distribution vertigineuse » où « Tarantino a le sens du suspense et Tony Scott celui du rythme et de l'image-choc » et où « on passe de la tension la plus grande à la dérision la plus légère »^[25].

Plus contrasté, Jonathan Rosenbaum, du Chicago Reader, affirme que « le sens de l'humour de Tarantino est communicatif mais assez froid » et que « la réalisation de Scott est habile mais mécanique »^[26]. Pierre Murat, de Télérama, met en avant le « scénario brillant et très écrit » de Tarantino, prenant comme exemple « le duel oratoire entre Christopher Walken et Dennis Hopper » où l'on « savoure chaque réplique », et regrette « qu'il ne l'ait pas lui-même mis en scène ». Il note aussi que la violence est « théâtrale et irréelle » mais « sur le fil de la complaisance »^[27]. James Berardinelli, du site ReelViews, donne au film 2,5 étoiles sur 4, évoquant des « dialogues plein d'esprit, un humour tranchant et macabre » et une scène « stupéfiante » entre Dennis Hopper et Christopher Walken mais regrettant « une réalisation terre-à-terre » « au style dénué de punch » et une histoire romantique peu crédible^[28].

Du côté des critiques négatives, Richard Harrington, du Washington Post, affirme que le film est « ridiculement sanglant et désordonné », que son côté stylisé ne peut excuser autant de violence et que son principal échec est son « incapacité à renouveler le cliché du jeune couple de hors-la-loi en cavale »^[29]. Kenneth Turan, du Los Angeles Times, critique le « nihilisme creux » et « l'affectation suffisante » du film et ses « retournements de situation incohérents »^[30]. Gene Siskel, du Chicago Tribune, estime que c'est « un road-movie stupide et stylisé »^[31]. Pour Thomas Bourguignon, de Positif, malgré « quelques situations jubilatoires et quelques scènes très fortes », le scénario est décevant, notamment par son absence de réflexion sur la violence, et le film est en outre gâté par son « insupportable musique sirupeuse » et le procédé « assez horripilant et lâche » consistant à faire croire à la mort du héros^[32].

Box-office

Le film a été un échec commercial, ne rapportant que 12 281 551 $ au box-office américain^[33]. Au Royaume-Uni, il a rapporté 1 321 112 £ (soit un plus de deux millions de dollars)^[34]. En France, il a réalisé 360 768 entrées lors de sa première exploitation en salles en 1993, puis 33 227 entrées lors de sa ressortie en 1995, portant le cumul des deux exploitations à 393 995 entrées^[35].

Notes

Références